jueves, 24 de julio de 2014

Superman

Ficha técnica

Título: Superman
Director: Richard Donner
Título original: Superman
Año: 1978
Guión: Mario Puzo, Dacid Newman, Leslie Newman, Robert Benton
Nacionalidad: USA
Producción: Charles F. Greenlaw, Alexander Slakind, Ilia Salking, Perre Spengler
Productora: Dovemead, Film Export AG, International Film Prods.
Distribuidora: Warner Bros.
Duración: 143’
Fotografía: Groffrey Unsworth
Vestuario: Yvonne Blake
Maquillaje: Stuart Freeborn
Múscia: John Williams
                       
Ficha artística

Christopher Reeve (Superman)
Marlon Brando (Jor-El)
Gene Hackman (Lex Luthor)
Margot Kidder (Lois Lane)


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Superman rompió con la caracterización “ridícula” de los superhéroes en el cine.

En 1978, Richar Donner supo eliminar los golpes (de humor y de peleas) infantiles, pueriles, para hacer del héroe un superhéroe, dotándolo de veracidad y seriedad, dando un trasfondo emocional a los personajes (fundamentalmente al propio Superman) y salpicando la película con algún que otro guiño cómico pero con tono elevado (cuando se trata del protagonista) e incluyendo algún que otro personaje que cargaría con el aspecto cómico para quitarle “hierro” al hombre de “acero”, gracias a la colaboración de dos guionistas que se encargarían de incluir esas escenas.


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Y le costó muy caro apostar por esta “seriedad”.

Donner contaba con el rodaje de tres entregas de Superman, hasta el punto de filmar las dos primeras simultáneamente (entre otras cosas para abaratar un presupuesto que por efectos especiales y estrellas del cine se iba incrementando). Empezó a filmarlas, sí, pero solo terminaría la primera por los múltiples enfrentamientos con los Salkind que no terminaban de ver y comprender esa pátina de seriedad que Donner quería imprimir en Superman y seguían apostando por rescatar el tono previo a esta película para tratar al hombre de acero con el mismo estilo que veríamos en el Batman de la televisión.

Esta decisión y este cambio harían que la película cambiara radicalmente, eliminando del guión el enfrentamiento con “los paisanos de Kal-El” (nombre verdadero de Superman en Krypton) que pasaría a formar parte del guión en la segunda. Aquí abro un pequeño paréntesis para referirme a El hombre de acero, Zack Snyder – 2013, que sí mantiene este duelo, esta continuación de la guerra civil kryptoniana trasladada a la Tierra.

Tal fue el enfrentamiento que le terminó costando el puesto, terminar la primera película y adiós muy buenas. El tiempo le daría la razón cuando dos años después apareció Superman II y el superhéroe perdería peso, razón de ser y se convirtió en una parodia de si mismo volviendo al sainete por miedo a fracasar y fracasando precisamente por ello.

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Mario Puzo formó parte del elenco de estrellas que participaron en esta película. En concreto se pondría al frente del guión pues se sentía muy identificado con Donner y su concepto de cómo contar la historia. El mismo Mario Puzo que había redactado los dos mejores guiones de la historia del cine (todavía sin superar) El Padrino y El Padrino II.


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Hay tres nombres clave dentro del reparto.

El que tira del proyecto: Marlon Brando, el padre de Superman. Archiconocida estrella que aceptó el papel elevando y mucho el tono interpretativo del resto de los actores. Eso sí, sin preparar el papel, a golpe de improvisación bordando los diálogos que si bien “leía” según los declamaba, él iba incluyendo sus perlitas interpretativas y sobre todo, el modo de plasmarla.


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El segundo gran papel es para Gene Hackman (ya dije en Arde Mississippi que este actor me saca de cualquier película con su nefasta interpretación, y lo mantengo, aunque el tono “cómico” (pues es uno de los papeles que sirven para descargar emociones y tensión) le salve un poco). Hackman aceptó el papel tras confirmarle la participación de Brando. Eso sí, lo mismo que niego su valía como actor, como persona demostró estar muy a la altura desarrollando un concepto de lealtad a Donner tan alto que cuando los Salkind apartaron al Director de la segunda película, él declinó participar en ella.

El tercer nombre es el propio Christopher Reeve. Un desconocido que estuvo, de modo intermitente, latente todo el tiempo como posible Superman y que solo tras múltiples descartes se hizo con el papel, previo compromiso de un entrenamiento potente porque “era un tirillas” a manos de David Proust (entrenador profesional que encarnó a Darth Vader en La guerra de las galaxias).

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Creerás que un hombre puede volar.

Esto rezaba el cartel de la película. Pero el único problema para conseguir que esto fuera verdad fue que ninguno dentro del equipo tenía claro cómo hacer volar a Superman.

Hubo múltiples opciones que incluían cosas tan ridículas como lanzar un muñeco o incluir escenas de dibujos animados (y no es tan descabellado si hacemos memoria y recordamos la versión de Ralph Bakshi de El Señor de los Anillos del mismo año 78).


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Al final se alinearon los astros para dar con la fórmula adecuada y sobre todo con la interpretación perfecta de Christopher Reeve para dotarla de verosimilitud, espontaneidad y credibilidad.

Superman es una película preñada de escenas que nunca envejecerán. Escenas llenas de cine y rebosantes de emoción (en buena medida gracias a John Williams y su capacidad para orquestar y acompañar la imagen con su música).


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Dudo mucho que haya alguien que no haya visto la película original (quizás entre las nuevas generaciones), pero por si a caso, resumiré un poco su argumento:


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El planeta Krypton se encuentra a punto de colapsar y existe una tensión entre dos facciones lideradas, por un lado el padre de Superman (todavía Kal-El) Jor-El y el general Zod y secuaces. Ambos buscaban un mismo objetivo: salvar Krypton o por lo menos a los kryptonianos, pero desde distintos puntos de vista y con diferentes valores. Zod no duda en encarnar el mal mientras que Jor-El aboga por la bondad y la sensatez, logrando dos cosas, la primera “encarcelar” a Zod y secuaces en la zona fantasma y segundo, salvar a Kal-El, su hijo, de la destrucción inminente enviándolo a la Tierra en una nave espacial (Moisés).


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Kal-El acabará estrellándose (dentro de su nave) en Kansas, EEUU, y será recogido por el matrimonio Kent (Jonathan y Martha) de Smallville. Estos lo acogerán y lo adoptarán como su propio hijo.

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Un hijo que no tardará en dar muestras de su singularidad, (no podemos olvidar que Clark Kent (el niño rebautizado) no deja de ser un extraterrestre que por influencia del sol desarrolla una serie de poderes sobrenaturales),  y que sin embargo, por influencia de sus padres adoptivos terrestres (cuyos principios no distarán demasiado de sus padres biológicos) serán ocultados para no destacar y sobre todo para ir forjando a la persona que encarnará al héroe ciñéndose siempre a un principio de servicio a los demás, ayuda a los débiles, lealtad y honradez (principios básicos del caballero medieval).

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Clark crecerá y se trasladará a Metrópolis para estudiar y terminará trabajando en el Daily Planet, periódico cuyo director removerá cielo y tierra para lograr una exclusiva de Superman (esto nos recuerda a Spider-Man). Christopher Reeves demostrará sus (hasta entonces ocultos) dotes interpretativas sabiendo dotar de dos personalidades completamente diferentes a su personaje: el humano tímido y pazguato que se enamora de su compañera de trabajo y el héroe capaz de volar alrededor de la tierra. Todo con un quitar y ponerse las gafas que le hacían cambiar la expresión de la cara y maneras de “ambos personajes”.

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Al cambiar el guión, el malo de la película cobró más protagonismo en el personaje de Lex Lutor. Un terrorista que pretende hundir California bajo el nivel del mar para lograr la recalificación de unas tierras que ha comprado y que casualmente se encuentran por detrás de California, haciendo que éstas tierras quedaran situadas en primera línea de mar.

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Es cierto que Henry Cavill hace un gran papel en El hombre de acero. Sería necio si lo negara. Pero, quizás por ser de la quinta que soy (del 74) no pueda evitar evocar a Christopher Reeve cada vez que pienso en Superman.

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jueves, 10 de julio de 2014

THX 1138

Ficha técnica

Título: THX 1138
Director: George Lucas
Título original: THX 1138
Año: 1971
Nacionalidad: USA
Producción: Francis Ford Coppola, Edward Folger, Lawrence Sturhahn
Productora: Warner Bros, American Zoetrope
Duración: 88’
Guión: George Lucas, Walter Murch
Fotografía: David Myers, Albert Khin
Múscia: Lalo Schifrin
                       

Ficha artística

Robert Duvall (THX 1138)
Maggie McOmie (LUH 3417)
Donald Pleasence (SEN)
Don Pedro Colley (SRT)
Ian Wolfe (PTO)
James Wheaton (voz de OMM)

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Ya he comentado en algunas películas de “cine fantástico” el atractivo por especular con el futuro existente entre finales de los ’60 y mediados de los ’80 (Cuando el destino nos alcance y El planeta de los simios), incluso en una del actual siglo (La carretera) con un toque de realismo y algo menos de fantasía que las dos anteriores (y la presente). Y sin embargo todas ellas comparten una visión negativa de lo que nos depara el futuro, cada una a su estilo.

Esta es la primera película de Lucas, que toma como punto de partida un cortometraje (suyo también) hecho en 1967, en su época universitaria: Electronic Labyrinth THX 1138:4EB, del que se sirve incluso como fuente para el nombre definitivo (y abreviado) de THX 1138.

Otra fuente de inspiración será el cortometraje 21-87 (de Arthur Lipsett – 1964) en el que subyace el universo del 1984 de Orwell, a modo de “gran hermano” con una sucesión de personas inconexas a lo largo de toda la cinta.

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Pero no solo hablaré de las fuentes que inspiraron a Lucas para hacer esta película, también ella sirvió para poner los cimientos de La guerra de las galaxias (así conocimos a la primera película de la saga, el Episodio IV, ahora rebautizada como Una nueva esperanza tras sacar los tres primeros episodios: para no confundir (si cabe más) a los espectadores y reservar el nombre original para el conjunto de todas las películas). Y es curioso este aspecto, sobre todo porque veremos escenas a lo largo de los episodios IV al VI que guardan una íntima relación con THX 1138, sobre todo en la V, El imperio contraataca.

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No deja de ser paradójico que Lucas hiciera el corto primero, y la película después, con el ánimo de incorporarse a la cinematografía de Ciencia Ficción de la época con ganas de renovarla, con ganas de rescatar el género y con ganas de abanderar un estilo de cine independiente y de autor. Paradójico porque dicho corto (el del nombre largo (otra paradoja)) le supuso obtener una beca de Warner y de ahí que el propio Francis Ford Coppola produjera esta película: el verdadero empujón que necesitaba (no negaremos que estaba repleto de talento) para que aflorara el gran director que llevaba dentro.

Pero paradójico, sobre todo, porque esa beca, ese apadrinamiento (del Director de El padrino, nada menos) hizo que se desentendiera de todo ese halo de cineasta de autor y entrara en un proceso de creación de cine para masas hasta llegar a imponer el concepto de “merchandising” con la saga de La guerra de las galaxias relajando sus principios y (seguro que en la intimidad lo reconocerá) vendiéndose al consumismo. Y no le ha ido nada mal.

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THX 1138, cuya estética me evoca en muchos momentos a La naranja mecánica, se ha convertido en una película de culto para los amantes del género de ficción, del cine fantástico y futurista, preñado, como en todos los ejemplos expuestos, de crítica social y pesadumbre ante un futuro incierto que pasa sin remedio por la alienación del ser.

Alienación a base de extirpar emociones y sentimientos, deshumanizando a las personas y habituándolas al trabajo mecánico. Odio, alegría, miedo… son todos sentimientos ajenos a los protagonistas, sedados permanentemente para evitar que se inclinen por algunos de estos sentimientos y reduzcan su productividad. Sentimientos y en otros casos sensaciones, llegando a prohibir hasta las relaciones sexuales.

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La sociedad que nos refleja Lucas se encuentra en el subsuelo, cosa que no comprenderemos por completo hasta el final de la película, reduciendo a las personas a meras máquinas que fabrican máquinas para que controlen a sus fabricantes.


Unas máquinas, robots, que ejercerán de policía sin escrúpulos y cuya estética, junto con la de los humanos, se convertirán en icono de la película. Junto con el holograma de Jesucristo, confesor, Dios y canal de comunicación utilizado por los humanos para saciar sus episodios de transcendentalismo y sonsacarles sus debilidades.

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THX (el protagonista masculino de la película) romperá con toda esta inercia inducido (pervertido, mal influido) por LUH 3417, la verdadera artífice de la humanización de THX. Ella retira las drogas de la dieta de THX para seducirlo y lo seduce. Hasta el punto de infringir la Ley manteniendo relaciones sexuales, lo cual le costará la Libertad (si es que la habían conocido) a ambos, yendo a dar con sus huesos en la cárcel.


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Una dieta, que por cierto, nos presenta una gastronomía muy acorde con la trama de la película (vuelvo a pensar en Cuando el destino nos alcance) a base de pastillas, drogas y concentrados de supuestos alimentos que no nos permiten reconocer materia prima alguna (Soylent Green) y que sirve tan solo para saciar la sensación de apetito y canalizador para las drogas que mantienen aletargada a la población.

A partir de aquí, la ruptura. No de la pareja, que por supuesto se produce y por imposición, si no de él con la vida que conoce. Huida hacia delante en una espiral de agresividad contenida en busca de la Libertad fuera de ese mundo que se le ha quedado pequeño.

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Aprovecho para apostillar algo que me acaba de recordar Juan Solo en Twitter a propósito del título de la película, al preguntar a los seguidores de el fancine en qué película sale el robot que habréis visto arriba. Una vez que lo tenía claro me ha preguntado: "¿Tiene título de sonido?"

Efectivamente, tiene título de sonido: THX. Que sirvió para que Tomlinson Holman, empleado de Lucasfilm bautizara con tal nombre (obviamente inspirado en esta película del propio Lucas) el control de calidad de sonido de El retorno del Jedi, con el propósito de garantizar la correcta audición de los efectos sonoros de la película.

jueves, 3 de julio de 2014

Alatriste

Ficha técnica

Título: Alatriste
Director: Agustín Díaz Yanes
Título original: Alatriste
Año: 2006
Nacionalidad: España
Producción: Antonio Cardenal
Duración: 147’
Guión: Arturo Pérez-Reverte, Agustín Díaz Yanes (Novelas de Arturo Pérez-Reverte)
Distribuidora: 20th Century Fox
Fotografía: Paco Femenía
Múscia: Roque Baños
                       
Ficha artística

Viggo Mortensen (capitán Diego Alatriste)
Enrico Lo Verso (Gualterio Malatesta)
Álex O’Doherty (Lope Balboa)
Eduard Fernández (Sebastián Copons)
Juan Echanove (Francisco de Quevedo)
Unax Ugalde (Íñigo de Balboa)
Nacho Pérez (Íñigo de Balboa de pequeño)
Javier Cámara (Conde-Duque de Olivares)
Francesc Garrido (alguacil Martín Saldaña)
Blanca Portillo (Fray Emilio Bocanegra)
Paco Tous (General Francisco de Melo)
Jesús Castejón (Luis de Alquézar)
Elena Anaya (Angélica de Alquézar)
Nadia Santiago (Angélica de pequeña)
Ariadna Gil (María de Castro)
Eduardo Noriega (Conde de Guadalmedina)

Premios

Goya Mejor Dirección de Producción, Mejor Dirección Artística, Mejor Diseño de Vestuario

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Hacía tiempo que quería hincarle el diente a Alatriste. Pero no me atrevía.

Y no por falta de ganas, si no por una mezcla de rabia (por algunos detalles que comentaré a continuación) y vacío porque pensaba que lo había dado todo al comentar las novelas de El capitán Alatriste en el troblogdita.

Rabia porque hay algunos aspectos que desmerecen a la obra literaria en el guión (a pesar de haber colaborado el propio Pérez-Reverte en su adaptación), y por detalles externos a la propia película, que si no me equivoco, ayudaron a echarla tierra por encima en la propia Industria cinematográfica española, y me explico:

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Pese a ser una de las películas más caras de la historia de nuestro cine, pasó sin pena ni gloria por la gala de esta industria en España: los Goya. Partía con 14 nominaciones entre las que se incluían la Mejor Película; Mejor Actor; Mejor Actor de Reparto; Mejor Música Original y Mejor Fotografía... cosechando tan solo tres premios menores. Creo que Alatriste “no debía” triunfar. Esto no podía suceder y no sucedió. La película que se impuso en aquella edición fue Volver, de Pedro Almodóvar (otro proscrito de los Goya que se vio beneficiado por el tirón anti Alatriste, llegando a desbancarla incluso como candidata a representar a España en los Oscar, aunque tampoco logró saltar el charco). Y sobre todo por cómo se trató de mal a Viggo Mortensen al no otorgarle el premio al Mejor Actor, a favor de Juan Diego por Vete de mi.

Condensar las novelas (con sus respectivas tramas y aventuras) de El Capitán Alatriste en una única entrega hace que quienes hayamos devorado la saga literaria nos sintamos apenados por haberlas recortado y constreñido para rehacer un nuevo todo; y que los que no hayan tenido el placer de leerlo con anterioridad se pierdan entre salto y salto, entre escena y escena, de una aventura a otra sin terminarles de explicar el por qué de cada nueva etapa en la vida de Alatriste. Y este sería, por encima de todos uno de los pocos “peros” que pongo a la película.

Dicho esto, remato “mi rabia” con dos detalles de la película que sí me parecieron que no estuvieron a la altura:

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La batalla de Rocroi, que me parece un poco triste por escasa, a pesar de ser sublime (mérito del Director) porque terminé de ver la película lleno del orgullo que pretendía transmitirnos Pérez-Reverte en su obra literaria, orgullo a deshora, orgullo de saber caer sin haber doblado las rodillas y orgullo por contarnos lo que fueron aquellos guerreros bravos y altaneros que rindieron medio mundo a nuestra España. De ahí que tenga un sabor agridulce con esta escena. Podría haberse convertido en la mejor batalla del cine español y se quedó en poca cosa a mi parecer. Y sin embargo, reitero: sublime.

Y como último detalle, éste más de aspecto literario: Angélica de Alquézar. No por Elena Anaya, que lo hace muy bien, tan solo por un rasgo físico que adultera su personaje al trasladarlo del libro a la pantalla y nos hace perder parte de su profundidad: Angélica, en la literatura, es rubia, de pelo liso (peinado con tirabuzones) y en la película es morena con pelo rizado (ondulado).

¿Y qué importa?

Mucho.

Importa porque en la Literatura (hablamos del Siglo de Oro de nuestras Letras) no se dice nada gratuitamente. Si es rubia es por frigidez, (en sus dos acepciones: ausencia de deseo o goce sexual y/o fría). En la literatura española de la época, la mujer rubia (lo normal es que las españolas fueran morenas) entrañaba en si misma cierto respeto a lo desconocido. Y cuando aparecía como tal en un texto nos hacía pensar en la maldad, en la herejía de naciones enemigas como por ejemplo Holanda o la pérfida Albión atestadas de mujeres rubias, de ojos claros con tez casi albinas: símbolo del protestantismo y del calvinismo, para quienes, por el contrario, la mujer morena era símbolo de salvaje, atrasada en la escala evolutiva, anclada en el catolicismo arcaico de las naciones mediterráneas como España o Italia, o la misma encarnación del diablo. Todo este juego de significados se podrían haber percibido de mantenerse los rasgos originales de Angélica de la novela (el propio nombre evoca tez blanca y pelo claro), pero se pierden con el cambio, restando impronta, poder y fuerza al personaje.

Ya me he desahogado. No podía enfrentarme a una de mis películas favoritas sin antes confesar aquellas cosas que no me acababan de cuadrar. Ahora me relajaré para dar rienda suelta al gusto que siento cada vez que veo la película, porque tiene rasgos, gestos y detalles que la hacen (o deberían hacer) entrar por mérito propio entre las mejores películas de la historia de nuestro cine.

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Empezaré por el propio Alatriste, encarnado por Viggo Mortensen, (un camaleón, como ya dijera en La carretera y en La Comunidad del Anillo), probablemente el mejor Alatriste que podría haber habido. Un tipo (Viggo) capaz de interpretar un cactus en el desierto y dotarle de personalidad. Esto es Viggo: un actorazo. Y no exagero cuando menciono al cactus, porque Alatriste no es tal, pero como si lo fuera. Un personaje parco en palabras acostumbrado a jugar un póker de 24 horas al día en el que un gesto de más, una emoción no velada o un castañeo inoportuno podía hacerte dar con los huesos en un hoyo cavado a toda prisa. En el mejor de los casos, que lo normal era recibir un puntazo y morirse desangrado escupiendo sangre y asfixiado con tus propios coágulos esperando que el alguacil de turno te suba a una carreta y te saque de la ciudad. Y todo esto, con sus pocas palabras, sus muchos silencios, las muecas descarnadas y los gestos descarados los interpretó Viggo como si se hubiera pasado media vida en Madrid y se hubiera codeado con todos los chulos que se pasean por el foro.

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Muchas veces he renegado de la sobreactuación de muchos actores españoles, y eso habría podido suceder si no hubiera sido Viggo Mortensen el elegido para interpretar a Alatriste (menudo reto tiene Aitor Luna por delante encarnándolo en la serie que está por venir del propio capitán: superar a la versión del cine), un Alatriste que vale más por lo que calla que por lo que dice. No podemos dejar de lado el catálogo de gestos (altaneros) y posturas que nos brinda a lo largo de toda la película, que bien parecen sacados de estampitas contemporáneas.

Pero no solo Alatriste. La película entera es un homenaje al Siglo de Oro. A las armas españolas, a la religión y el espíritu católico que impregnaba a toda nuestra sociedad. Y en gran medida por varios de estos motivos:

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El resto del reparto: Echanove, Lo Verso, Eduard Fernández, Unax interpretan sus papeles como nunca antes los había visto interpretar, empapados en sobriedad y conteniendo a sus personajes (o quizás éstos contienen a los actores) en un registro espectacular. Incluso Noriega (que tanto me gusta) rinde a un gran nivel aunque peca (para mi gusto) de cierta sobre interpretación perdonable por lo rimbombante de un Grande de España. A quien prefiero no comentar para no tener que comparar su interpretación con el resto de actores es a Ariadna Gil (María de Castro), por no desviar este comentario de la película ni recrearme gratuitamente en un desacierto del reparto.

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Destacando a dos actores cuyas interpretaciones rayan la perfección porque lo dan todo y se vacían interpretando: Javier Cámara, soberbio, inconmesurable a la hora de encarnar al Conde Duque de Olivares y Juan Echanove dotando de una inmensa humanidad a Quevedo.

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El gusto por el detalle: aquí señalo con el dedo al propio Díaz Yanes. Capaz de transmitirnos desde la pantalla el valor que los españoles de aquellos tiempos daban a las artes. Cómo saca el jugo a Quevedo, exprimiendo a Echanove; cómo nos salpica la retina con las pinturas de Velázquez, pero no plasmando sus pinturas como la obra de arte como la conocemos hoy en día, si no cubriéndolas con una pátina de cotidianidad propia tan solo del Siglo de Oro, en el que nuestros antepasados convivieron con tamaños artistas codeándose con ellos en las tabernas del turco que había por la Villa y Corte, que haberlas las habría, y a patadas. Ese saber reflejar las luces de lo excelso para acto seguido mostrarnos las miserias de un Madrid decadente, de una España hecha jirones que se caía por minutos… Bien podría decir que lo evocamos con Pérez-Reverte y nos extasiamos con Agustín.

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No obstante, si hay una imagen con la que me quedo, una imagen desgarradora, lejos de combates y duelos, esa imagen, sin dudarlo es cuando amanece Alatriste tirado en el suelo de su casa al lado de la chimenea. Austeridad, pobreza, dureza y orgullo (reflejados con naturalismo y tenebrismo ocre del propio Caravaggio, también en la escena en que se viste y se encara a María de Castro) en un pobre hombre que se ha recorrido a pie media Europa, ha probado la sangre del turco, del napolitano y del flamenco. Ha servido a un Rey que se ha servido a su amada y ha vertido sangre por cada rincón de Europa. Unas veces por honor, otras por dinero.

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Siempre rindo un párrafo a la gastronomía, por puro placer. Y en Alatriste no será menos. Ese huevo que rompe Íñigo en la trinchera y lo rescata Diego para batirlo con el cuchillo y tras migar un poco de pan compartirlo con los camaradas embarrados y empapados en Flandes. Esa gota de agua que cree Diego que asoma de El aguador de Sevilla pintado por Velázquez. Las escenas en la taberna del turco, indescriptibles por excelsas, para luego rematar una de ellas haciendo aguas menores contra un muro forrado de estampas y crucifijos escoltando al alguacil…

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Esas botas agujereadas que no se cambia Alatriste por orgullo, esa postura (y sobre todo "apostura") del capitán esperando la llegada del emisario que le va a encomendar una misión. Esa soberbia en la mirada de Malatesta. Copons, qué decir de Copons, si me siento identificado con su personaje desde el momento en que apareció en escena por primera vez…

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Decía antes que Alatriste había vertido su sangre… Y Malatesta, y Copons, y Quevedo, e Íñigo… Y todos los españolitos de a pie (y de noble cuna) de aquellos días en los que un soldado lo era porque estaba programado para serlo. Época de vastos ejércitos que acuchillaban por orgullo, por honor, por sobrevivir y por religión.

Detalle éste a tener en cuenta al plasmar la obra en el cine. Decía en el comentario de las novelas que Alatriste es de Capa y espada, y lo es. Pero no en el más amplio sentido: falta la aventura, falta el romanticismo, falta el héroe. Sobra la realidad, sobra la tragedia y sobran los héroes que no lo son salvo para aquellos que le rodean. No esperemos ver un duelo de espadachines al estilo Errol Flynn en Robin Hood o Gene Kelly en Los tres mosqueteros, no. Y si lo hubiéramos visto se habría terminado el sentido de la obra. Agustín contó con la colaboración del irunés José Carlos Iribarren para adiestrar en las armas de época a Mortensen y al resto del reparto (y hasta casi un millar de extras) para lograr un realismo tal que huyera de alardes y bailes para ahorrar hasta el último ápice de fuerza en combates que si podías arreglar por la vía rápida: mejor, que “carrera que no da el galgo en el cuerpo se la lleva”. Combates a muerte, sucios con vizcaína erizada, desgarradores y reales.

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Novela y película con gran rigor histórico, que bebe de las fuentes reales para después adaptarse a las necesidades del guión. Sirva como ejemplo la escaramuza con Malatesta en la que ponen contra las cuerdas, nada menos que al duque de Buckingham y al príncipe Carlos de Inglaterra. Pues bien, tal episodio, que sirve de punto de partida para toda la obra existió, pero sin tal duelo. Estos dos personajes acudieron de incógnito a Madrid, cierto es, para conocer a Ana María de Austria, a la sazón hermana de Felipe IV para concertar un casamiento que nunca se produjo porque los ingleses dieron una pésima impresión en la austera corte española llegando a subirse a una tapia (el príncipe) para conocer a la prometida.

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A partir de ahí Diego, que en la literatura y en el cine frenará la mano de Malatesta por no tener del todo clara la empresa encomendada, se enfrentará a una ristra de aventuras y desventuras pagando deudas del pasado (ese noble acto que le frenó la mano) y huyendo capítulo tras capítulo de una muerte a la que ha sido sentenciado por la propia Inquisición.

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Diego Alatriste, altanero, será capaz de truncar amistades de peso, aliados de renombre que le podrían haber ayudado a escalar algún peldaño en su vida por el mero hecho de ser fiel a quienes le traicionan, fiel a si mismo aunque esto suponga la ruina y fiel a un Rey que, en la figura de su valido no dudará en salvarle la vida para pedirle que la pierda, pero lejos de Madrid. Y al mencionar "Madrid" no resisto destacar la breve pero acertada aparición del plano de Teixeira, del Madrid de los Austrias y alrededores (no solo porque lo habré pateado un millón de veces en mi infancia, si no por la reproducción a tamaño real que del plano tenía mi padre en uno de los salones de su casa).

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Flandes, Nápoles… Todo eso sí es historia, y la figura del Tercio que la hizo posible, también. Vascongados rezumando hispanidad, portugueses calumniados por judíos, la santa inquisición haciendo de las suyas (luego la echaron encima la leyenda negra que pesa como una losa), hasta rendir la bandera sin dejar de pelearla y defenderla en Rocroi.


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Una película que se ve, se huele, se acaricia y se escucha con la magistral banda sonora de Roque Baños, quien nos regala una procesión de Semana Santa a modo de película haciendo un viacrucis de nuestra Historia con una Cruz de Borgoña que de tanto brillar, se apagó porque se agotó.


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Trailer de la película en Youtube